Fernando: Antes de eso, permíteme recordar un poema de Alejandro Romualdo a su hijo cuando nace, que se llama «El cantar de Rodrigo», que termina con «Que viva la baba, hurra la vida, upa la esperanza». También me parece muy oportuno, y creo que la genialidad del poeta que fue —y sigue siendo— Alejandro Romualdo va a mantener su vigencia a pesar de las coyunturas distintas que se nos presentan en la vida. Eso es justamente la genialidad de la poesía. 

¿Cómo nos hemos reinventado? Definitivamente, estamos trabajando duro (y creo que más fuerte que nunca) para mantener el vínculo con los espectadores, con los niños que llevan los talleres, con sus familias, porque nos parece importante entender ahora cuál es el rol, la función que debe de tener el artista en esta situación tan especial. Y pensamos que es una responsabilidad, de alguna manera, acompañar a la gente. Si bien es cierto que los médicos están en la primera línea, creo que los artistas no debemos de estar tan lejos tampoco, porque si bien los médicos se preocupan por la salud del cuerpo, los artistas podemos contribuir mucho con la salud emocional. Y también, de alguna manera, si es que se organiza bien, pienso que el gobierno podría aprovechar a sus artistas, confiar en ellos para que el mensaje de cuidados que todos los días vemos cale más hondo.

Volviendo a cómo nos hemos reinventado: estamos haciendo los talleres “Tarumbeando”, dedicados a atender a los niños, donde podemos tener ejercicios, juegos de teatro, de circo, de música, juegos que se puedan hacer desde la casa; y tenemos, en principio, el espectáculo Vital, que es una selección de varios espectáculos, y hemos tratado en esa selección, justamente, de celebrar al Perú, de celebrarnos como comunidad, como sociedad, y de valorar, justamente, el esfuerzo común, el bien común. Así que ahí lo van a poder ver a partir de este sábado 18 de julio a través de Joinnus.

Fernando: Sí, y lo hemos hecho, porque en las primeras semanas de esta cuarentena estuvimos reflexionando sobre cómo a lo largo de los años La Tarumba se había sobrepuesto a una serie de factores externos que nos presentaban un contexto muy difícil: al terrorismo, a las crisis políticas, a las crisis económicas, qué se yo. Y recordábamos cómo, por ejemplo, en el 87 hicimos una gira por todo el oleoducto, desde la costa hasta la selva: costa, sierra y selva, presentándonos en las estaciones de PetroPerú, y nos encontrábamos con realidades muy diferentes, no solo geográficas, sino que, de pronto, llegábamos a una estación donde nos presentábamos en un pequeño contenedor que era la cocina, y ahí se metían cuatro, cinco personas, que eran los únicos trabajadores de la estación, y hacíamos el espectáculo. O, a veces, en medio de la selva llegábamos y nos decían: “¿Qué espacio necesitan? Porque podemos cortar estas hojitas”, y entre los árboles y la maleza hacíamos circo, hacíamos teatro. 

Pienso que eso nos enseñó lo que es, verdaderamente, la esencia del circo, que, si bien es cierto que la carpa se ha vuelto el carné de identidad, el DNI, el circo va más allá de los espacios, y eso tiene mucho que ver con los orígenes del circo, cuando los comediantes iban de plaza en plaza, de pueblo en pueblo, y se acomodaban a distintas condiciones. Después de eso, cuando llegamos a la carpa, entendimos realmente que hacer circo no dependía de solo una infraestructura, primero tenía que tener la esencia, la razón de hacer circo. Pienso que, si hubiera llegado la carpa antes de esa experiencia como de muchas similares, no la hubiéramos conquistado como la hemos conquistado ahora. Cuando llegábamos nosotros a los diferentes espacios nuevos —en los barrios de Lima, en provincias—, de pronto, lo primero que aprendimos fue a mirar el espacio y cómo capitalizarlo. Y hacíamos dos, tres funciones diarias y nos teníamos que adaptar a espacios totalmente distintos. Entonces, cuando llegamos a la carpa y la vimos (además, la habíamos dibujado nosotros con los arquitectos), la conocíamos mucho y le empezamos a sacar mucho provecho. O sea que el circo solo necesita de un actor y de una actitud creativa y lúdica.

Fernando: Hemos seleccionado cuatro espectáculos, cuatro experiencias. La primera es un laboratorio creativo de teatro ecuestre que hicimos en Pachacamac; nos juntamos unos artistas de Estados Unidos, de Rusia y un equipo de artistas peruanos y se hizo una especie de laboratorio creativo sin el afán de presentarlo en algunos espacios sino queriendo investigar y profundizar un poco más en la creación junto a los caballos. Salió algo realmente muy bonito, muy maduro a nivel creativo. Fue interesantísimo. Y el encuentro de estas culturas tan distintas unidas a través del caballo nos dejó muchísimo. Esta es una de las escenas que vamos a presentar. Pero también hemos seleccionado escenas de Bandurria (2017), que habla mucho del Perú, de Zanni (2015), que pertenece a ese registro de comedia del arte italiana, que también son las raíces del circo universal, y Volver (2019), que nos habla de los sueños. Nosotros, en Volver, recogimos los sueños de los espectadores para que, de alguna manera, pensemos cómo podíamos imaginar un Perú mejor. 

Hay momentos emotivos y una música maravillosa, porque a la hora de seleccionar “las mejores escenas” también hemos podido seleccionar los mejores temas musicales, o sea que van a escuchar landós, festejos, huaynos, carnavales… una maravilla, realmente.

Chebo: Fernando lo resume como una selección… es como tener a tus catorce o quince hijos y decirles: “Ahora te toca a ti, a ti no”, es muy difícil. Y para presentarlo ahora a un público mundial (porque no es que lo presentas en un show nacional), Vital se va al mundo, es una muestra que nos devuelve al mundo porque, quizá, estábamos un poco lejos del “mundo mundial”, como dicen los niños. Escoger esas músicas, esos números resume a una dirección en la que uno tiene que ver y elegir. 

Lo que me lleva a La Tarumba a formar parte de la dirección es que tenemos de todo en el Perú, tenemos una costa, una sierra y una selva maravillosas que nos engalanan. No voy a contar todo, sino estaría contando la sorpresa musical, pero tenemos un paseo musical, hermano, que evidencia lo hermoso de la creación.

Aprovecho este momento para decir que vamos a salir adelante, con fe. Y en esta selección se encuentra el sentir de todos estos músicos que han creado durante todo este tiempo estos espectáculos maravillosos.

Fernando: Creo que Chebo va a poder ahondar más en ese tema, pero quiero mencionar un par de cosas. Definitivamente, la música es más que un acompañamiento, es un lenguaje más en el espectáculo. Yo podría (y lo hemos imaginado mucho tiempo con Chebo y lo tenemos que hacer) ver un concierto solamente con la música de los espectáculos, y sería un super concierto, estoy seguro. Lo otro que quería mencionar es que, si bien es cierto que hay un principio de creación colectiva, yo no puedo dejar de decir que todo eso es posible por la genialidad creativa de Chebo. Y quiero recalcarlo: para mí, como director, y para La Tarumba, contar con el talento, con la sensibilidad, con el duende que tiene Chebo cuando crea o cuando interpreta en el escenario, es un privilegio. Y si a eso le sumamos el legado musical que viene del gran Amador y de toda la familia Ballumbrosio, esa es la propuesta musical que nosotros queremos. 

Cuando empezamos una nueva creación hay varios procesos en paralelo que, en determinado momento, se van juntando y se va haciendo un solo gran proyecto. Pero yo voy observando a los actores por dónde van, a nivel técnico y a nivel creativo. Yo también tengo unas ideas en mi cabeza y en el papel avanzadas, y Chebo también va haciendo lo mismo con los músicos. Llega un punto en que Chebo y el equipo que dirige la creación se pone de acuerdo: “Esta escena, que puede tener como elemento circense el trapecio, puede ir con este género musical”, dice Chebo. Yo le digo: “Lo que yo quisiera es provocar esta sensación, esta emoción, más íntimo acá, luego se va desarrollando y empieza a explotar”. Chebo me dice: “Okay, entonces, ¿sabes qué? Le podemos poner un panalivio con fuga de festejo”. Tenemos ese primer acuerdo, voy trabajando con los actores, imaginando esa sensación musical que hemos acordado con Chebo y Chebo va haciendo lo mismo con los músicos. Estoy saltando los pasos del proceso, pero eso nos lleva a un momento en que nos juntamos todos y ahí todos vamos percibiendo cuál es el espíritu de la escena, y todos van siendo conscientes de lo que está haciendo el músico, el músico de lo que está haciendo el acto, y ahí empieza un nivel de… crear es como danzas juntos, es un ritual que involucra a muchas personas.

Cuando eso empieza a darse nos lleva a darse lo que llamo “el estado del duende”, ese estado mágico en que salen ciertas energías que nos van llevando; nosotros nos subimos a ese duende. La idea del duende es que trascienda más allá de los momentos de creación o de los ensayos y también envuelva al público. Es por eso que empecé diciendo “el gran duende que tiene Chebo”, porque si no tuviera a gente como Chebo ese duende no se presentaría ante nosotros.

Chebo: Parece que lo hubiera dicho yo. Lo he dicho yo, pero con otro carácter [ríen]. Este mundo mágico del circo tiene eso, somos la gran familia que tiene lenguajes diversos, pero enfrentados a un solo punto, a buscar —como dice Fernando— ese duende, que este duende sea generoso, que este duende sea piadoso también, que tenga un destino inclusivo para que sea honesto a la hora que llegue el público. Porque si este duende es rabioso, se disgusta, hace pataleta, hace berrinche, es engreído, no funciona. Así le prendas vela a cualquier otra capilla, no funciona ese duende. Yo creo que el ser manso, más allá del legado que me persigue, más allá de mis ancestros, más allá de los panalivios y landós vividos, y agradecido de esta cultura musical a la que pertenezco, es el ser manso el que me ha devuelto una Tarumba con familia y un buen presente.